La mirada revolucionaria, del hombre peculiarmente moderno, ha identificado la continua búsqueda de una ansiada liberación de la ignorancia, la servidumbre y la escasez con el progreso científico, tecnológico y económico. Su huella, ilustrada desde el Renacimiento y reflejada en la conciencia histórica, ha contrastado con la esencia del hombre medieval; un ser de permanente mirada hacia el pasado, la tradición y la autoridad absolutista. Sin embargo, en términos empíricos, la idea de progreso ha quedado circunscrita en un proceso de desarrollo tecno-científico, económico y social. Desdeñada la moral y la espiritualidad, el individuo ha terminando siendo esclavo del bienestar material en un sistema globalizado cuyos mecanismos han inhibido su capacidad crítica.
Al hilo de lo comentado, en el presente artículo se intentará analizar, desde su particular coyuntura histórica, los cambios en la evolución del concepto de diseño gráfico e industrial desde el movimiento Arts and Crafts hasta la escuela de La Bauhaus. Cambios que suscitaron la implementación de una serie de metodologías que fueron aplicadas en períodos decisivos de la humanidad y que influyeron y condicionaron paradigmas económicos y sociales.
Arts and Crafts
Hacia 1880, surgió en Inglaterra un movimiento artístico reformista denominado Arts and Crafts. Fundado y dirigido por William Morris (1834-1896), buscó dar respuesta a los desafíos planteados por un entorno de racionalización productiva, decadencia moral y deshumanización como consecuencia de la industrialización del siglo XIX. Junto a John Ruskin (1819-1890), defendió la nobleza de la artesanía ante la producción mecanicista. Consideró que, a través del arte, se podía mejorar la calidad de vida de la sociedad. No obstante, su alto coste de producción evidenció una lucha estéril contra los productos industriales.
Uno de los precursores del estilo Art Nouveau y enlace entre el Arts and Crafts y el Movimiento Moderno Europeo, Henry Van de Velde, junto a Charles Robert Ashbee (1863-1942), sufrió una evolución hacia la aceptación de la producción industrial. Ashbee llegó a reconocer que “(…) bajo ciertas circunstancias, algunos artículos podrían hacerse de modo aceptable por medios mecánicos, siempre y cuando llevaran el sello de su fabricación” (Pelta, 2015, p.12). Frank Lloyd Wright (1867-1959) firme defensor de las máquinas, en 1901 desde Estados Unidos afirmó: “en la máquina se encuentra el único futuro del arte y la artesanía” (Pelta, 2015, p.13).
En Alemania se relacionó la producción mecanizada con elevados estándares de calidad y una ejecución Made in Germany como sello distintivo que se ha mantenido hasta nuestros días. En 1907, la Deutscher Werkbund fue creada por Hermann Muthesius en Munich. Más que un movimiento artístico fue una asociación subvencionada por el Estado con la finalidad de integrar técnicas industriales de producción en masa con oficios artesanales tradicionales. Destacaron artistas como Henry van de Velde o Peter Behrens, que introdujo el concepto de ‘identidad corporativa’. Se desvinculó el diseño de cualquier memoria historicista; se impuso la normalización del formato DIN; se mejoraron los contactos entre empresarios y creadores; se buscó potenciar la competitividad de Alemania con potencias como Estados Unidos o Gran Bretaña bajo la premisa de calidad, sencillez, estandarización y eficacia de un diseño ausente de ornamentación; y se adoptó como base estética del diseño industrial, la ‘forma abstracta’ que tomaría La Bauhaus y que posibilitaría la producción modular.
La tácita subsistencia del contexto político en el arte -entendido, éste, como la representación de la libertad-, induce a pensar que el arte tiene un componente político y que con la pretensión de ver reflejado su ambiente, su sabiduría y sus creencias, manifiesta una evidente carga filosófica, económica y cultural de cada época. Ejemplificación de este razonamiento fue la creación, desarrollo y clausura de La Bauhaus (1919-1933) o Staaltliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal).
La Bauhaus
“El asentamiento de la Arquitectura Contemporánea tiene sus raíces, entre otros, en la figura de Walter Gropius” (Nerdinger, 1985: 24). Nacido en Berlín, el arquitecto y maestro del racionalismo europeo, fundó una escuela de carácter subversivo, progresista y multidisciplinar durante la República de Weimar. De metodología social, La Bauhaus fusionó arte, arquitectura y tecnología. Célula germinal del diseño industrial, bebió del movimiento De Stijl y del constructivismo ruso. Revistió los objetos con formas renovadas, incorporó nuevos materiales sin ornamentación y simbolizó la modernidad en un siglo de grandes transformaciones. Sin embargo, tras un primer traslado a Dressau (1925) y otro a Berlín (1932), la coyuntura político-social propició su cierre definitivo en 1933. Gropius (1883-1969) relacionado con el comunismo y el marxismo, tuvo que exiliarse al Reino Unido, primero, y posteriormente a los Estados Unidos de América, perseguido por el Nacionalsocialismo.
Etapas
En una primera etapa (1919 -1923), impregnada de la esencia y principios del Arts and Crafts, se pretendió dar respuesta a las necesidades de la población recuperándo los métodos artesanales. Fue una fase de experimentación de formas, diseños y productos. A través de la metodología ‘aprender haciendo’ se mezcló arte, tipografía, arquitectura, diseño industrial y diseño de interiores. Con las bases normativas y fundamentos académicos del diseño que conocemos hoy en día, se constituyó una nueva estética social de objetos de consumo incorporados en una producción asequible al gran público.
En una segunda etapa (1923-1925), con la incorporación de László Moholy-Nagy como profesor, se introdujeron las ideas del constructivismo ruso y el neoplasticismo. La metodología se basó en la ‘investigación de la esencia’ y el ‘análisis de la función’, que sin embargo, no obtuvo apoyo comercial hasta los años 70. Destacó la figura de Herbert Bayer, quien (Alcalá, s.f.) “estableció los principios de un nuevo estilo tipográfico y los fundamentos de la Nueva Tipografía”. (párr. 20) siguiendo el principio de eliminar lo superfluo y dejar lo esencial.
En una tercera etapa (1925-1933), la escuela -dirigida por el arquitecto Mies van der Rohe, autor de la frase “Menos es más”-, cambió su sede al edificio de la Bauhaus en Dessau; edificio que, diseñado por Walter Gropius y fundamentado en la razón, adoptó el equilibrio, la proporción y la simetría de unas líneas sencillas y funcionales con espacios abiertos, salas comunes o ventanas horizontales prescindiendo del ornato.
Influencia
De todas sus manifestaciones, la “Nueva Bauhaus” de Chicago, fundada en 1937 y teniendo como director al reconocido pintor y fotógrafo Lázló Moholy-Nagy, fue la que más respetó los planteamientos de la escuela original y una de las más prestigiosas de Estados Unidos. En 1996, las obras en Weimer y en Dessau de La Bauhaus, en las que se mezclaron nuevos materiales como el cemento armado, las fachadas de cristal o las vigas metálicas con innovadoras técnicas de construcción, fueron declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.
En la actualidad, La Casa Gropius (Lincoln, Massachusetts), Instituto Aspen (Washington D.C.), Museo Bauhaus (Weimar, Alemania), Casa Sonneveld (Países Bajos) o Isokon Buldings (Londres) son algunas de las más representativas edificaciones de una escuela cuya enorme envergadura sigue siendo símbolo de modernidad, de colores primarios, de nuevos espacios, de la forma y de la integración de las artes.
Bibliografía
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(2016) Bauhaus, la escuela de diseño. CoolMaiso. https://www.coolmaison.com/bauhaus-la-escuela-diseno-del-siglo-xx/
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